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Hola queridos lectores del sitio del blog. El término "drama" tiene varios significados.
Este concepto se utiliza en diversas esferas del arte, cuyo tema es la demostración del comportamiento humano en conflicto, desde un punto de vista u otro, en circunstancias excepcionales.
Hablaremos de drama en la ficción, artes escénicas, música, cine.
En la vida cotidiana, la palabra "drama" ha entrado como sinónimo de drama: tensión extrema (a veces teatralidad) en una relación.
El drama es un género de literatura y arte.
La palabra "drama" (del griego. " acción») Se utiliza en un sentido amplio y estricto.
Un rasgo distintivo del drama en la literatura es la capacidad de narrar las acciones que se desarrollan en el presente. Al igual que la epopeya, este tipo de literatura describe la vida externa de los héroes, puede capturar un contexto filosófico, político y social general.
Al mismo tiempo, la épica es monóloga o polifónica, pero el drama es siempre. este tipo de literatura tiene en común la autoexpresión, la agudeza y concisión de la trama, la capacidad de transmitir la vida "aquí y ahora".
a diferencia de de la tragedia, que representa a personalidades excepcionales en circunstancias especiales, el drama atrae a héroes comunes y corrientes en situaciones realistas cotidianas. Esto no quiere decir que no pueda ser trágico, pero estos dos géneros tienen genealogías diferentes y tareas no siempre comparables.
Características del drama.
Dado que las obras dramáticas se crean para su puesta en escena, combinan las características del arte teatral y verbal.
A las principales características los dramas incluyen:
- la presencia de un conflicto;
- dialogicidad;
- vinculante a un tiempo y espacio específicos;
- abordar los problemas de la vida humana privada y las cuestiones sociales en general;
- análisis de las reacciones emocionales y psicológicas de una persona en determinadas circunstancias de la vida;
- mostrando estas reacciones en forma de palabras y acciones.
Modificando con el tiempo, el arte dramático adquirió rasgos característicos de otras áreas del arte en una época particular.
Para entender esto con un ejemplo específico, volvamos a la tragedia de W. Shakespeare "".
- El conflicto en él se expresa a nivel de enfrentamiento entre dos familias: Montesco y Capuleto. Su enemistad conduce a enfrentamientos entre personajes individuales. Los conflictos interpersonales dan a la obra una agudeza adicional. Pueden mostrarse externamente (los duelos de Tybalt, el enfrentamiento entre Romeo y París) o una insinuación (antes de Julieta, a Romeo le gustaba Rosaline, pero ella no aparece en el escenario, ya que el sentimiento porque ella fue falsa, momentánea).
- La estructura del texto está formada por diálogos. El principal, el diálogo de dos amantes, pasando por la trama de la obra, encadenando sobre sí todos los demás diálogos entre los personajes.
- El tiempo y el espacio en el que actúan los héroes es la Verona medieval. Tienen sus propias ideas sobre el honor y el deshonor, lo necesario y lo imposible. El comportamiento de los personajes depende en gran medida de las circunstancias que los rodean.
- La tragedia está dedicada al más íntimo de los sentimientos humanos, pero al mismo tiempo se refiere a problemas humanos universales: la fragilidad de la vida, la perniciosidad de los prejuicios, la ridícula fuerza de la enemistad.
- La obra analiza todos los matices de las experiencias amorosas: desde un amante ligero hasta una determinación apasionada de morir con un amado, sin la cual la existencia externa pierde su sentido.
- Se expresan las reacciones de los personajes ante lo que está sucediendo, así como acciones.
Variedades de drama
Dadas las gradaciones históricas y entre géneros, es habitual distinguir dentro del género la siguiente subespecie dramas:
- burgués;
- melodrama;
- psicológico;
- naturalista;
- simbolista;
- surrealista;
- absurdo
- existencial.
En el campo del cine, tradicionalmente se habla de drama adolescente, criminal, histórico, de aventuras y psicológico. Como ejemplo, proponemos familiarizarse con el drama de aventuras de Alexander Karpilovsky "Private Pioneer". (Por cierto, en la segunda parte de la trilogía, los héroes escenifican una obra basada en la obra "Romeo y Julieta").
De la historia del drama
Arraigado en la cultura religiosa y verbal-musical de la antigüedad, el drama, de hecho, no es solo un tipo de literatura, sino también una forma de reflejar el conocimiento sobre el mundo, una habilidad específica para ver el universo en sus extremos, hacer preguntas, polemizar, buscar la verdad.
Los teatros de la Antigua Grecia eran al mismo tiempo entretenimiento para el público, una escuela de moralidad, un templo de servicio a las musas y un escenario político. Todas estas funciones han sido conservadas por el teatro moderno.
La diferencia es que la cultura de los tiempos modernos ha dejado de ser logocéntrica (del griego "logos" - palabra "): la palabra que suena y la imagen literaria ya no asombran tanto a la gente que después de la actuación aceptarían una nueva fe o sea voluntario para el frente.
Sin embargo, la relevancia del drama radica en su variabilidad, flexibilidad, "incorporada" a las necesidades y caprichos de cada época.
El arte dramático en un sentido terminológico se habló solo a mediados del siglo XVII, cuando, en paralelo con las obras de cultura espiritual (en las que la teatralización fue condenada como un fenómeno inmundo y pecaminoso), comenzaron a aparecer los géneros literarios seculares. En la era de la Ilustración, se crearon muchas obras filosóficas y moralistas, diseñadas para “ no para entretener, sino para instruir».
En el siglo XVIII, y más tarde, la literatura romántica se generalizó. drama filisteo... Su ejemplo puede considerarse, por ejemplo, "Hermanos ladrones" de F. Schiller, así como las obras de teatro de D. Diderot, G. Lessing, P. -O. Beaumarchais.
El arte realista del siglo XIX subordinó el drama a los problemas de la sociedad. En las obras de G. Ibsen, aparecieron personas del pueblo, anhelando una vida libre, iluminada con un alto significado. En Rusia, las obras de teatro están dedicadas a los mismos temas. N.A. Ostrovsky y A.P. Chekhov.
El siglo XX ha enriquecido lo dramático con las influencias del modernismo. El teatro liberado de los tiempos modernos ha absorbido los rasgos del simbolismo, el surrealismo, el expresionismo, el absurdo (M. Meterlink, S. Beckett, E. Ionesco).
La estructura de una obra dramática
Cada obra se divide en actos o actos. Estos, a su vez, se dividen en escenas o episodios. Las frases pronunciadas por los personajes se denominan comentarios, y las palabras del autor, que van acompañadas de los comentarios, entre paréntesis o en cursiva, se denominan comentarios.
Durante las presentaciones escolares y de los estudiantes, los artistas aspirantes a menudo pierden las direcciones, pero esto es injusto. En ellos se esconde una chispa traviesa de la intención del autor: el dramaturgo sugiere con qué humor se debe interpretar tal o cual papel, con qué movimiento acompañar la frase, para que un héroe sea reconocido por ella, después de muchos años.
Con el fin de el mundo del drama se ha vuelto más claro para ti y más de cerca, intenta escuchar su lenguaje cálido e inspirado. Encuentra "tu" héroe: Chatsky, Hamlet, Nina Zarechnaya. Intenta vivir en el escenario de su vida; definitivamente aprenderás algo nuevo sobre ti.
¡Buena suerte para ti! Nos vemos pronto en las páginas del sitio del blog.
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Fundamentos teóricos del estudio del teatro
El estudio teórico del drama comienza con la época de Aristóteles, quien formuló los postulados canónicos de las ideas tradicionales sobre el drama y sus principales géneros basándose en observaciones del teatro griego antiguo del período clásico. Si bien las formas de arte se guiaron hasta cierto punto por modelos clásicos y representaciones estéticas tradicionales, la teoría aristotélica del teatro no cambió radicalmente. La situación cambió en el siglo XX con el inicio de la era moderna, en relación con la cual surgió la necesidad de una nueva fundamentación teórica de diversos tipos de cuestiones (afiliación familiar, características de género, esencia estética, el problema de la autoría, etc. ).
Uno de los problemas que surgen en el proceso de enseñanza escolar es la distinción entre los conceptos de "drama" y "drama".
El concepto de "drama" en las fuentes científicas se interpreta sin ambigüedades (basado en la tradición de Aristóteles): "uno de los tres tipos de literatura (junto con la poesía épica y lírica). El drama pertenece tanto al teatro como a la literatura: siendo el principio fundamental de la representación, también se percibe en la lectura ".
Algunas fuentes intentan establecer en la definición de drama uno de sus principios estructurales, por ejemplo: "una especie de obra literaria en forma dialógica, destinada a la representación teatral". Además, se argumenta que el drama, "como otras formas de arte, es una de las formas de conciencia social". V.E. En su investigación, Khalizev entiende el drama ante todo como "una forma significativa de arte verbal", y su propósito escénico pasa a un segundo plano.. Esto plantea la cuestión de qué es un drama, un "tipo de obra literaria" o, más ampliamente, un "tipo de arte", y cómo este concepto se relaciona con el concepto de drama.
Investigador I.N. Chistyukhin ve el drama como un concepto puramente estético, que revela un cierto grado de lucha intensa en la existencia de un individuo. La esencia de esta lucha no es la muerte o la derrota trágica (como en la tragedia), no en ridiculizar algo (como en una comedia), sino en el conflicto mismo, que representa la tensión de la existencia humana. Es decir, en el sentido más amplio, el drama es un concepto estético.
En el diccionario de términos teatrales de P. Pavi, el drama se interpreta como "un texto escrito para varios roles y sobre la base de una acción conflictiva". Es decir, el drama se entiende como un texto dramático específico redactado para su implementación escénica.
Tanto en la crítica literaria como en los estudios de teatro se utiliza el término "drama" para indicar un género especial de drama (drama burgués, drama lírico, drama romántico).
La dramaturgia surge en la época del nacimiento del teatro y es producto de la creatividad de los dramaturgos. En el diccionario de términos literarios, el drama se entiende, en primer lugar, como “sinónimo del conceptodramas como literario amable o un conjunto de obras dramáticas de un escritor, tendencia o época, nación, región ", y en segundo lugar, como" la base de composición de la trama de una obra de teatro, película o película de televisión con detalles que la concretizan, por regla general, pregrabados verbalmente ". Así, los estudiosos de la literatura entienden el drama como una forma de arte interespecífica creada por la comunidad de figuras de diferentes tipos de arte: escritores, compositores, artistas, actores, directores.
En la formulación moderna del concepto de "drama", los estudios teatrales intentan ir más allá del texto literario únicamente, comprendiendo la "actividad".dramaturgo, consistente en comparar el texto y el material escénico, identificar los significados complejos del texto, determinar la interpretación, orientar la actuación en la dirección elegida ”(P. Pavi).
Una cierta confusión terminológica surge del hecho de que el drama se encuentra en la unión de la literatura y el teatro, por lo tanto, proponemos, siguiendo a IN Chistyukhin, separar los conceptos de "drama" y "drama" de la siguiente manera:
Drama Existe una forma independiente de representación literaria y escénica de la vida, cuyo tema es una acción holística que se desarrolla de principio a fin (desde la exposición al desenlace) como resultado de los esfuerzos volitivos de los héroes que se involucran en un combate singular con otros personajes. y circunstancias objetivas. El drama es parte del proceso teatral general y una especie de literatura como forma de arte.
Dramaturgia - 1) el arte de escribir dramas, 2) el conjunto de dramas escritos, 3) el tipo de organización del texto literario del drama.
Las opiniones sobre la teoría del drama, que se consideran tradicionales, se han formado durante varios siglos. Parece lógico evaluar las obras dramáticas escritas en el momento adecuado según estos cánones. Sin embargo, desde finales del siglo XIX y principios del XX, se han producido cambios mucho más significativos en la teoría del drama, lo que nos permite expresar la idea de la necesidad de evaluar las obras posteriores según principios diferentes. Observemos las principales etapas en la formación de puntos de vista tradicionales sobre la teoría del drama.
"Poética" de Aristóteles, que refleja puntos de vista principalmente sobre la tragedia griega y escrita en el siglo IV. Antes de Cristo, penetró en Europa a finales del siglo XV. La inexactitud de la traducción del texto, así como la brevedad de las tesis expuestas por Aristóteles, dieron lugar más tarde a muchas interpretaciones y disputas diferentes en torno a los conceptos.mimetismo ("Imitación") y katharsis ("Limpieza"). El principio de las tres unidades, propuesto en el tratado, incidirá durante mucho tiempo en la composición de las obras. Las tesis de la Poética, junto con las tesis de la Epístola a los Pisos (Ciencia de la Poesía) de Horacio (siglo I a.C.), principal obra clásica reconocida en ese momento, formaron la base de los requisitos del teatro.
El canon, que tomó forma en el Renacimiento, comenzó a cambiar en el siglo XVII. El rechazo del principio de trinidad con la preservación de solo la unidad de acción, la combinación de signos de lo cómico y lo trágico son algunos de los primeros cambios fundamentales reflejados en la Nueva Guía para componer comedias de Lope de Vega, que luego fueron respaldados en El arte de la poesía de Nicolás Boileau. El sentido común en la poesía, como en cualquier otro ámbito de la vida, finalmente se ha colocado por encima de todo, y se le subordina la fantasía y los sentimientos.
La necesidad de conciliar la razón y el sentimiento (G.E. Lessing, A. Müller, V. Hugo), realizada a lo largo de Xviii - XIX siglos, así como el reconocimiento del principio de diversidad dramática y verdad natural fueron los requisitos previos para el surgimiento de la teoría del naturalismo, formulada por E. Zola (prefacio de la obra "Teresa Raken", 1873). A su vez, la observación cercana de las personas, su comportamiento y su entorno influyó en la formación del método intelectual, que se puede rastrear en los trabajos de G. Ibsen y A.P. Chéjov.
Toda la historia de las opiniones sobre el teatro indica que ocupa un lugar especial no solo en el proceso literario, sino también en la historia del teatro. Apuntando a la dualidad de su esencia estética, dirigiéndose al lector y al espectador al mismo tiempo, A.P. Chéjov señaló que el drama siempre atraerá la atención de muchos críticos teatrales y literarios, mientras que sus reseñas serán diferentes entre sí, porque el tema de análisis serán textos diferentes: literario (el texto de la obra en sí) y teatral (interpretación de el texto del guión).
Definamos la naturaleza de la relación entre textos literarios y teatrales. La obra no se basa en el texto de la obra, sino en el texto del guión según sus motivos; no se puede poner un signo igual entre ellos y reemplazar la lectura de la obra por mirarla.
La diferencia entre un guión como obra literaria y dramática de un texto literario radica en una descripción detallada de cada escena: la organización del espacio, el movimiento de los personajes por el escenario, sus diálogos, gestos, expresiones faciales. El propósito del guión es describir qué, dónde, cómo y cuándo debe suceder en el escenario para transmitir la idea principal. El propósito de un texto literario es formular esta idea.
La principal característica distintiva de la actuación es su singularidad en el tiempo. V.G. Belinsky creía con razón que se trata de "un proceso individual y casi único que crea una serie de concretizaciones de una obra dramática que tienen unidad y diferencia".
Y aquí, como apunta el director y teórico del teatro N.N. Evreinov, un texto literario tiene una ventaja sobre una interpretación: “El lector puede asimilarlo al ritmo que quiera, puede releer lo incomprensible, puede posponer el libro hasta mañana, con la esperanza de una mañana fresca. Todas las condiciones de la percepción textual son impuestas al espectador por el autor con severidad escolar ".
Leer, a diferencia de ver una obra de teatro, no nos impone nada que vaya en contra de nuestra imaginación, por eso es bueno. Sin embargo, para los lectores que no pueden imaginarse al héroe o el entorno que lo rodea, la obra será el mejor asistente. Con la ayuda del diseño musical de la actuación, temas especialmente creados para crear la imagen del personaje, puedes complementar las ideas de tu lector, pero aquí, nuevamente, no somos inmunes a la inconsistencia con nuestras expectativas.
La ventaja indiscutible de la actuación es que es posible utilizar todos los canales de percepción (auditivo, visual y, hasta cierto punto, incluso táctil, el sentido del tacto, el olfato). Lo principal es que todo lo que vemos y oímos no nos aleja de la tarea principal de profundizar el significado. Según V.P. Ostrogorsky, el maestro no puede "descuidar el entorno, que posee el escenario y que realza la impresión del espectador", pero uno no debe engañarse a sí mismo solo con los efectos del escenario.
Cabe señalar también que la visualización de la interpretación de otra persona (director, actuación) debe ir acompañada de una lectura preliminar (para que en cualquier momento puedas consultar el texto del autor) para obtener la tuya mejor calidad.
La comprensión del significado de la naturaleza dual del drama también se encuentra en las obras de K.S. Stanislavsky. Escribió: "Sólo en el escenario del teatro se pueden reconocer las obras dramáticas en su totalidad y esencia", y además: "... si no fuera así, el espectador no se habría apresurado al teatro, sino que se habría sentado en casa y leer la obra ".
El crítico de arte A.A. Karyagin señala que “para un dramaturgo, un drama es más una actuación creada por el poder de la imaginación creativa y grabada en una obra que se puede leer si se desea, que una obra literaria, que, además, se puede representar en el escenario. Y esto no es lo mismo en absoluto ".
Así, la historia del estudio de la naturaleza artística del drama permite hablar de la imposibilidad de examinar el drama "fuera de su propósito original de ser presentado en escena". Por tanto, comprendiendo una obra dramática, conviene trabajar con dos textos (literario y teatral), anotar los momentos de su interpenetración y tener en cuenta que la puesta en escena de una obra dramática en escena es, por un lado, una interpretación artística. de un texto literario, en cambio, una obra independiente de arte teatral, construida según leyes especiales.
El carácter escénico del drama es su rasgo más importante. Desde el punto de vista de R. Barthes, teatralidad, o teatralidad, es “teatro menos texto”, es “la densidad de signos y sensaciones” sólo implícita en el texto y alineada en el escenario.
Actuación escénica en un sentido amplio puede definirse como la dependencia directa del teatro como tipo literario del teatro: el arte de la transformación artística, el reflejo de la vida en la acción dramática en vivo.
Actuación escénica en sentido estricto Existe un conjunto de propiedades específicas de una obra dramática que aseguran su idoneidad para la representación en un escenario teatral. Por tanto, un drama destinado a la puesta en escena, a diferencia de los llamados “dramas para la lectura” (por ejemplo, “Manfred” de J. Byron, “Prometheus Liberated” de PB Shelley, etc.), debe tener vivacidad, concentración de acción, relevancia de la problemática, escenografía (posibilidades potenciales de soluciones escenográficas) para despertar en el espectador sensaciones diferentes sobre lo que ocurre en el escenario. Esto se debe en gran parte a las capacidades internas de la obra, que, a su vez, están en proporción directa con la habilidad del dramaturgo. Por tanto, no es casualidad que entre los más grandes dramaturgos se encontraran aquellos que estaban asociados profesionalmente con el teatro (por ejemplo, Shakespeare y Moliere eran actores) o estaban en constante colaboración creativa con él (AN Ostrovsky y el Teatro Maly, AP Chejov y el Teatro de Arte de Moscú, etc.).
En las últimas décadas, el pensamiento teórico teatral se ha transformado seriamente. Esto se debe en gran parte a la sensación de un nuevo contexto artístico y estético, llamado posmodernismo: el agotamiento de lo viejo, la anticipación de lo nuevo, que aún no ha tomado forma y por lo tanto es completamente incomprensible. La nueva ciencia del teatro construye todo su aparato conceptual sobre los postulados de los estructuralistas formulados en los años 60 del siglo XX y fuertemente influenciados por el postestructuralismo y el posmodernismo de la segunda mitad de los 70. La formulación final de la nueva teoría se puede encontrar en los trabajos de A. Ubersfeld y P. Pavi, así como en varios otros científicos.
Las principales ideas de la teoría moderna del drama, basadas en las tendencias en el desarrollo general de la teoría del arte y, en particular, la crítica literaria, son las siguientes:
el aspecto comunicativo, es decir, la comprensión del arte como una especie de información estética que el teatro transmite al espectador a través de la representación teatral;
el aspecto semiótico, es decir, comprender la naturaleza simbólica del teatro y la representación teatral;
teoría de los actantes de origen estructuralista, es decir, una nueva visión del personaje (un personaje, disuelto en una variedad de interpretaciones, actúa como un actante);
comprensión del arte teatral como una especie de texto, producto de la creatividad no solo de un dramaturgo, sino también de un director, actores, escenógrafos, etc.; un texto que consta no solo de palabras, sino también puestas en escena, gestos, escenografías, música, luz, etc.
Este enfoque para comprender la naturaleza del texto dramático subyace a la emergente teatroologia. El cambio más importante en el enfoque del estudio de la teoría del drama es que el drama se percibe como un tipo especial de arte, cuya especificidad de género está completamente determinada por su propósito en el escenario. Las obras de V.E. Golovchiner y N.I. Ischuk-Fadeeva.
Uno de los intentos por resolver la contradicción entre los principios normativos y no normativos de la poética dramática es el concepto del científico alemán M. Jan, esbozado en 2002 en la "Guía de la teoría del drama" nueva teoría del drama ").
Dice que hay tres direcciones en el estudio de la teoría del drama: "Drama poético" ( dramaturgo poético ), "Estudios de teatro" ( estudios de teatro ) y "Leyendo el drama" ( drama de lectura ).
Corresponde al concepto de poética normativa "Drama poético". Se da preferencia al texto escrito (impreso) y su "lectura atenta" y sirve, según M. Jan, la única fuente confiable, en contraste con la estructura artística en constante cambio de la actuación. Un partidario de este enfoque es el neocrítico estadounidense K. Brooks.
Según el concepto "Estudios de teatro", el texto de la obra no tiene ninguna existencia independiente en absoluto, y la representación es de suma importancia en relación con el texto. Esta posición quedó reflejada en las publicaciones de J.L. Stein, R. Hornby, R. Levin, G. Taylor, H. Hawkins. La principal dificultad de este enfoque, que provoca críticas justas, es la imposibilidad de captar la naturaleza cambiante de la naturaleza de la representación teatral en forma de texto impreso. La obra no se puede llevar a su casa, sacarla del estante y, una y otra vez, volver a ella y verificar sus observaciones iniciales. Al recrearlo de memoria, se producen cambios inevitables y nuevas lecturas.
Esta "incertidumbre y falta de fiabilidad teóricas", en sus propias palabras, M. Yang se opone "Leyendo el drama". En el marco de esta dirección, el texto se percibe a la vez como una obra literaria y como una guía de presentación. Al mismo tiempo, para la implementación se requiere un “destinatario ideal”, tanto lector como espectador, que evalúe el texto desde el punto de vista de su posible y relevante puesta en escena. Jan considera aquí que los textos programáticos son los estudios de A. Ubersfeld “Read the Theatre” (1977), así como de M. Pfister, K. Elam, D. Scanlan y otros teóricos y practicantes del teatro. Por tanto, el análisis textual se centra en la representación escénica.
Este enfoque parece ser el más productivo en el proceso de analizar un texto dramático en una lección escolar. Por supuesto, entra en conflicto con el método biográfico tradicional de estudiar una obra, descrito por S.-O. Saint-Beuve. Este método de análisis, centrado en la unidad de "autor - creación - era", es bueno para trabajar en una biografía creativa del escritor, periodizar su herencia creativa y analizar obras autobiográficas. Pero en el proceso de analizar un texto dramático, resulta improductivo. En nuestra opinión, en el estudio escolar de los textos dramáticos, es necesario tener en cuenta nuevos enfoques teatrales.
1.2. El uso de una obra dramática en la enseñanza de la literatura.
El método de estudio de una obra dramática está condicionado por la especificidad del drama: “El drama vive solo en el escenario. Sin él, es como un alma sin cuerpo ", escribió N.V. Gogol M.P. Pogodinu. Hacer que el cuerpo del drama se llene de alma es, en nuestra opinión, la principal tarea del maestro de literatura. Varias generaciones de metodólogos y profesores de idiomas se preguntaron cómo construir el estudio del drama en el aula de tal manera que cautive a los escolares, sin permitir la simplificación y nivelación de la originalidad artística del trabajo. Pasando a la historia del problema, establecemos el siguiente objetivo- resumir información sobre los métodos de estudio del teatro y averiguar qué métodos y técnicas de trabajo con la historia escénica han propuesto los científicos metodológicos.
La participación del teatro en las lecciones de literatura se inició en el siglo XVIII no con métodos y técnicas específicas, sino con recomendaciones para la lectura y el reconocimiento de la importancia de estudiar teatro en la adolescencia. Las cuestiones de la lectura y el estudio de obras dramáticas se plantearon en las obras de M.M. Shcherbatova, N.I. Novikova y otros.
Primera mitad XIX El siglo se caracteriza por la aparición de diversas direcciones que no tienen en cuenta el desarrollo progresivo de la literatura realista y determinan la separación de la educación literaria de la vida. A pesar de esto, I.P. Pnin, A.F. Merzlyakov, P.E. Georgievsky, V.F. Odoevsky, N.I. Nadezhdin, F.I. Buslaev.
El texto dramático se incluye en los programas creados para la enseñanza de la literatura, así como en libros de texto y antologías sobre teoría e historia de la literatura, principalmente como ejemplo para el dominio de los conceptos de teoría literaria. Durante este período se plantean las primeras cuestiones del estudio de una obra dramática. El conocimiento del drama como tipo de literatura se limita a un estudio histórico de los géneros dramáticos. (A.F. Merzlyakov, P.E. Georgievsky). Se está desarrollando la teoría del drama, se distinguen las categorías estéticas de lo trágico y lo cómico (NI Nadezhdin, VG Belinsky). En esta etapa, la atención al lenguaje y la lectura inmanente como medio para ayudar a revelar el significado de la obra está todavía en su infancia (F.I.Buslaev). Sin embargo, ya en este momento, la atracción de artes afines y la visita al teatro se reconocieron como componentes necesarios para comprender el significado del drama en las obras de I.P. Pnina, V.F. Odoevsky, V.G. Belinsky.
Mientras tanto, ya encontramos las primeras pautas metodológicas para la lectura de un drama en línea con nuestra investigación en los artículos de V.G. Belinsky, quien llamó la atención sobre la importancia de considerar la interpretación escénica de la obra para una comprensión más profunda de la misma por parte del lector, mostrando el poder con que el drama se “viste de pies a cabeza” en el teatro, entrando en alianza con todas las artes y recibir de ellas “todos los medios, todas las armas”. Artículos de la crítica, por ejemplo, "Ay de Wit". Comedia en 4 actos, en verso. La composición de A.S. Griboyedov "o" Hamlet ", un drama de Shakespeare. Mochalov en el papel de Hamlet ”, se distinguen por su penetración en la obra de los actores, recreación de la atmósfera del teatro y pueden convertirse en un buen material para el trabajo en el aula. Las principales recomendaciones de V.G. Belinsky en la lectura y el análisis del teatro se convirtió en el punto de partida de la metodología de su estudio en las escuelas secundarias y preparatorias.
La segunda mitad del siglo XIX es un punto de inflexión en la historia de la educación en Rusia. Las actividades educativas y literarias de N.G. Chernyshevsky y N.A. Dobrolyubova. Este es el momento de las reformas escolares y las discusiones pedagógicas. La reforma de 1864 intensificó la actividad metodológica de muchos docentes, a quienes se les dio la oportunidad de compilar de forma independiente planes de estudio basados en los requisitos de la instrucción ministerial. Durante este período, obras tan significativas como artículos, programas y libros de texto de F.I. Buslaeva, V. Ya. Stoyunin, V.I. Vodovozova, L.I. Polivanova, Ts.P. Baltalona, etc. En los años 60 del siglo XIX se formó la literatura como disciplina educativa especial; con la aparición de nuevos modelos dramáticos en programas y libros de texto, cambian los enfoques metodológicos para su estudio, aparecen nuevas técnicas.
El estudio del teatro como ejemplo para dominar los conceptos de la teoría literaria pasa a un segundo plano. El valor del hogar y el aula, la lectura expresiva, el recuento como métodos de estudio de una obra dramática se sustenta en los trabajos de los mejores metodólogos y especialistas en lenguaje de la época: V.I. Vodovozov, V. Ya. Stoyunin, V.P. Ostrogorsky, V.P. Sheremetevsky. Se reconoce la importancia de un análisis en profundidad que involucre crítica literaria y estética. Para comprender la intención del autor, se utiliza un análisis paralelo de composición y acción dramática. El principio de historicismo propuesto en las obras de V.I. Vodovozov y V.Ya. Stoyunin, se aplica al estudio del drama y se implementa en las técnicas de comentario histórico y comparación de obras de diferentes autores y épocas.
Al mismo tiempo, se establece una relación entre la profundidad de interpretación del drama y su implementación escénica. V.P. Ostrogorsky, V.P. Sheremetevsky. La organización de una obra de teatro escolar como una de las posibles formas de trabajo se sustenta en los trabajos de N.F. Bunakova, N.A. Solovyov-Nesmelova.
“El estudio de la poesía dramática es, por así decirlo, la corona de la teoría de la literatura ... - señaló V.P. Ostrogorsky. "Este tipo de poesía no sólo contribuye al serio desarrollo mental de los jóvenes, sino que con su vivo interés y especial efecto en el alma, inculca un noble amor por el teatro, en su gran valor educativo para la sociedad". Considerando que era imposible prestar la debida atención al estudio de las obras dramáticas en el marco del programa, sugirió la lectura extracurricular obligatoria de las obras y elaboró su propia lista de recomendaciones.
Según V.P. Ostrogorsky, el maestro no puede "descuidar el entorno que posee el escenario y que realza la impresión del espectador". Animó a los estudiantes a ver actuaciones en el Imperial Stage y esperaba que algún día las actuaciones matutinas se llevaran a cabo a precios económicos para los estudiantes desfavorecidos. V.P. Ostrogorsky, compartiendo las ideas de V.G. Belinsky, dijo que según los artículos de la crítica es necesario aprender "a conocer el significado del teatro y la actuación del actor". Sus opiniones se exponen en el artículo "En memoria de Mochalov". En el aula V.P. Ostrogorsky introdujo a los jóvenes en la historia del drama y el teatro, pero los instó a no halagarse con los efectos escénicos, sino a tratar de comprender para qué sirven.
Blizkiy V.P. Ostrogorsky, en sus puestos de pedagogía, fue V.P. Sheremetevsky, quien dejó muchos consejos y recomendaciones útiles sobre la lectura y comprensión de obras dramáticas. Siendo un buen lector, V.P. Sheremetevsky utilizó activamente la lectura expresiva en el proceso de análisis del trabajo.
Para resolver un problema metodológico, para determinar con precisión la esencia del personaje dramático, V.P. Sheremetevsky no solo analizó el discurso de Khlestakov, sino que también comparó la redacción del texto de la obra, trató de poner al lector en la posición de un espectador. Fue el primero en fundamentar la importancia de la interpenetración del texto de la obra y la representación en las clases escolares y escribió sobre lo incompleto del estudio del teatro sin su encarnación escénica: "La representación escénica es un comentario insustituible sobre la tragedia y la comedia". Por lo tanto, V.P. Sheremetevsky abogó por la reanudación de las representaciones en la escuela, sugirió formas de escenificarlas en estrecha relación con el análisis de muestras dramáticas.
Así, en la metodología de enseñanza de la literatura de la segunda mitad del siglo XIX, se esbozan las principales formas de estudiar una obra dramática, se proponen métodos efectivos de análisis e interpretación del texto. Pero las preguntas sobre la necesidad de utilizar interpretaciones teatrales profesionales en la lección de literatura se plantean muy raramente, por lo tanto, los hechos de la biografía escénica del trabajo prácticamente no se incluyen en el sistema de enseñanza a los escolares.
Los metodistas de principios del siglo XX se están alejando gradualmente del legado de los años 60. El interés por una persona, su lugar en la sociedad y su estado interno se convierte en la razón para profundizar en la psicología del carácter de un personaje literario, en particular un héroe dramático, en las obras de Ts.P. Baltalona, D.V. Ovsyaniko-Kulikovsky, V. Golubev.
El estudio del drama durante este período está estrechamente relacionado con el desarrollo del drama ruso. Los éxitos del teatro ruso se deben tanto a la aparición en el repertorio de obras de A.P. Chéjov, M. Gorky, A.A. Blok, L.N. Andreev y un nuevo método creativo. El Teatro de Arte de Moscú, que surgió a principios de siglo, está más cerca del drama de Chéjov, pero tampoco excluye el “comienzo de Gorki”. El nuevo drama estimula la búsqueda creativa de actores como K.S. Stanislavsky, V.I. Kachalov, I.M. Moskvin, L. Leonidov, V.V. Luzhsky, O. L. Knipper-Chejov. Las obras de M. Gorky con su tonalidad heroica resultaron estar en consonancia con la creatividad escénica de V. Komissarzhevskaya y M. Ermolova. Los teatros Maly y Alexandria enriquecen las inmortales obras de A.N. Ostrovsky.
El auge del drama y el teatro determina la búsqueda de nuevos métodos y técnicas adecuados para el análisis productivo. Los metodistas revelan y corroboran sustancialmente la efectividad de visitar el teatro en el estudio del teatro. Entonces, Ts.P. Baltalon dedicó una serie de obras a la estética de la recepción del público del teatro. Hablando sobre el placer artístico de la actuación, Ts.P. Baltalon señaló que el sentimiento de similitud de lo que vio en el escenario con las impresiones de la vida proporciona un placer estético especial.
Al mismo tiempo, el teatro escolar se utiliza como una forma de actividades extracurriculares. N. Bakhtin y S. Krymsky definen las condiciones para su uso pedagógico:
estricta selección de obras, para no convertir el teatro en un mero entretenimiento;
duración factible de la actuación;
el rol debe corresponder al carácter y las habilidades del niño, estar dentro de su hombro;
acumulación de existencias de observaciones y desarrollo de la observación;
desarrollo del habla expresiva;
comprensión de la motivación de las acciones, una interpretación profunda de la obra;
lo más importante, los maestros "deben compartir su ilusión teatral con los niños".
N. Bakhtin vio en el drama el principio fundamental del teatro, calculado para la encarnación teatral. En su opinión, en ella el espectador (y el lector) recibe "una encarnación viva y completa de la vida, con características vivas de los personajes con los que parecemos fusionarnos, olvidándonos de nuestra personalidad y experimentando con ellos toda la gama de sensaciones". . " N. Bakhtin insistió en que los escolares visiten el teatro cuando estudien teatro, diciendo al mismo tiempo: "El estudio de teatro en el aula es lo mismo que estudiar una planta según su modelo seco". Trató de organizar el proceso educativo de tal manera que hiciera del teatro, como la literatura, un instrumento de educación. Cada edad tiene su propio teatro: teatro de sombras para niños en edad preescolar, teatro de títeres Petrushka y teatro de títeres para estudiantes más pequeños, representaciones de aficionados basadas en el repertorio infantil para el nivel medio y puesta en escena de obras clásicas para estudiantes mayores. “El teatro, de la mano de la escuela, empezó a preparar al futuro público inteligente”. El teatro llegó a ser visto como una "palanca poderosa de la educación extraescolar".
En las décadas de 1920 y 1930, los clásicos rusos, incluido el teatro clásico, fueron eliminados gradualmente del plan de estudios escolar. Esto se debe a la destrucción del antiguo sistema educativo y la construcción de un nuevo tipo de escuela. Pero el florecimiento del teatro soviético contribuyó al hecho de que el teatro ocupó un lugar importante en el curso de literatura escolar. Gradualmente, destacados metodólogos rusos vuelven a las ideas formuladas por sus predecesores antes de la revolución.
V.V. Golubkov y L.S. Troitsky enriqueció el análisis de una obra dramática al correlacionarla en la lección introductoria con la realidad histórica que dio origen a la obra y el repertorio teatral moderno. El método de lectura comentada está profundamente desarrollado en las obras de A.S. Degozhskaya y N.A. Rusanova. NUEVO MÉJICO. Sokolov utiliza en la práctica la lectura reflexiva en clase con análisis paralelo del texto, una de las formas de estudiar el teatro, sugiere "preparar un texto para el teatro y extraer de él lo que se dirá en el escenario y lo que solo se puede mostrar . " El análisis de la trama y la composición en el transcurso de la acción dramática se describe en las obras de M.A. Rybnikova A.S. Degozhskaya, N.A. Rusanov y reafirma su conveniencia como una de las posibles formas de estudiar el teatro. En el proceso de análisis, se concede gran importancia al establecimiento de los motivos de las acciones de los personajes y la revelación de los personajes del drama (N.M.Sokolov, M.A.Rybnikova, V.V. Golubkov).
La cuestión de la necesidad de asistir a las representaciones tanto al estudiar la obra dramática correspondiente como fuera de ella suena cada vez más insistente (en las obras de M.A. Rybnikova, A.S. Makarenko).
Así como. Makarenko reconoció el poderoso poder estético del teatro. En el teatro de la colonia Kuryazhskaya, creado bajo su dirección, se representaron "las grandes obras más serias" de Gogol, Ostrovsky, Gorky y otros (40 obras durante el invierno). Al participar en las representaciones, el profesor logró dos objetivos: en primer lugar, ayudó a los alumnos a socializar y, en segundo lugar, trató de despertar un gran interés en la lectura de obras de teatro y discusiones sobre sus problemas. Sus alumnos discutieron acaloradamente las obras de teatro, en particular At the Bottom, después de leerlas. Al mismo tiempo, el análisis fue profundo y no se limitó a un solo contenido social. Según el profesor, no debe haber "impresión visual vacía, de voluntad débil" que no genere pensamientos y no ofenda a la persona: "Una obra de teatro debe ir acompañada de discusión e intercambio de opiniones".
MAMÁ. Rybnikova, además de fundamentar muchas formas de estudiar el teatro, también propuso realizar excursiones literarias, por ejemplo, alrededor de los lugares Griboyedov de Moscú, alrededor del distrito mercantil de cualquier ciudad, para que uno pudiera imaginar la vida de los personajes de Ostrovsky. En el libro "El trabajo de un profesor de idiomas en la escuela", el metodólogo señaló la necesidad de comparar las ediciones de un trabajo (por ejemplo, "El inspector general").
MAMÁ. Rybnikova se dio cuenta de la importancia de la encarnación teatral del drama. El primer plano para ella es el despertar de la creatividad de los estudiantes, el acercamiento de los estudiantes con el teatro. Ella también practicó asistiendo al teatro profesional seguido de discusiones sobre actuaciones. Esto, desde su punto de vista, ayudó a sentir el elemento, orgánico para la autora. La visualización debe ser colectiva, por lo que la obra emocionará más. Y el análisis debe realizarse de acuerdo con las impresiones más recientes.
V.V. Golubkov, resumiendo la experiencia de los mejores profesores de literatura, presenta dos disposiciones importantes para el estudio de obras dramáticas en los "Métodos de enseñanza de la literatura":
el estudio de las obras de teatro "será más completo y productivo si los alumnos las ven de antemano en el teatro";
“Se establece que la obra dramática está destinada a la escena, y se decide qué hace el autor para tal fin y qué deben hacer los actores, director y decorador”.
Resumiendo los resultados de este período, es necesario enfatizar la importancia para la metodología moderna de la experiencia de los metodólogos del primer semestre.XX siglos, especialmente en el desarrollo del aspecto de género en el estudio de una obra de arte en la escuela: la introducción de técnicas que contribuyan a la comprensión de la poética de tipo dramático, así como la búsqueda de formas de estudiar teatro en la escuela .
Sin embargo, cabe señalar que los estudiosos no siempre se basan en un rasgo de tipo dramático como la pertenencia del drama a la literatura y al teatro. Sin lugar a dudas, la pedagogía teatral comenzó a desarrollarse activamente en el marco de la educación literaria escolar: aparecen nuevas técnicas asociadas con la comparación del texto clásico estudiado y la obra de teatro escolar, los hechos de la biografía escénica de una obra dramática se utilizan más activamente en las lecciones. (principalmente en las clases introductorias o finales). Al mismo tiempo, un análisis de fuentes sobre la historia de la metodología literaria muestra que aún no se ha formado un sistema claro de técnicas para el estudio de una obra dramática, la inclusión de una historia escénica de una obra de teatro se utilizó principalmente como ilustración de la obra dramática. texto leído.
Los primeros intentos de utilizar la biografía escénica de la obra como herramienta de análisis se pueden encontrar en la experiencia metodológica de A.S. Degozhskaya, quien, en el proceso de analizar las imágenes de los personajes, invita al maestro a hablar sobre la historia escénica de la obra (por ejemplo, sobre la actitud de NV Gogol hacia la primera producción, sobre Gorodnich-Sosnitsky, Dure en el papel de Khlestakov, actuación de Shchepkin). Por primera vez, la historia escénica se convierte en un tema de consideración detallada en el proceso de estudio escolar de la obra. El propósito de atraer material teatral a la lección para A.S. Degozhskaya es lo siguiente: mostrar el significado del lector-actor, que completa la imagen del autor, y luego proceder al análisis del trabajo del director. Al mismo tiempo, según E.S. Rogover, la historia teatral de este artículo metodista temprano "se encontró algo divorciada del análisis de la obra e inconsistente con la caracterización de los personajes en la conversación generalizada".
La metodología de enseñanza de la literatura de la segunda mitad del siglo XX intenta resolver los problemas de la educación moral y estética a través del arte dramático. Científicos como N.A. Demidova, T.S. Zepalova, A.M. Zueva, D.A. Klumbite, N.O. Korst, N.I. Kudryashev, V.G. Marantzman, N. D. Moldavskaya, B.S. Naydenov, Ya.G. Nestrukh, M.A. Snezhnevskaya, T.V. Chirkovskaya, E.S. Rogover.
Se están investigando con éxito diversos aspectos de la metodología para el estudio del drama: se están desarrollando formas y métodos de análisis de un texto dramático, se aclaran las peculiaridades de la percepción de una obra de teatro, se forma un círculo de conceptos teóricos y literarios, que son herramientas para estudiando teatro en una lección escolar. Los metodólogos propusieron un conjunto de técnicas para el estudio del drama, como escuchar grabaciones sonoras de performances (V.P. Medvedev), elegir un “rol para uno mismo” (TS Zepalova), utilizar el comentario del director en el proceso de análisis (N.A. Demidova), mise- en-scene (ES Rogover), compilación de un diccionario de términos dramáticos (ZS Smelkova), etc.
Las ideas de la pedagogía teatral también se desarrollan en los trabajos de los científicos. Entonces, N.I. Kudryashev en su trabajo "Estudio de obras dramáticas" desarrolla los pensamientos de sus predecesores de que en el estudio del teatro es necesario confiar en la vida y las impresiones teatrales de los estudiantes. Al mismo tiempo, los conocimientos sobre teatro que ya tienen los estudiantes deben enriquecerse constantemente. "Los estudiantes deben asistir a las representaciones", escribe el autor, "aunque no está previsto en el plan de estudios de la escuela, pero es accesible para una edad determinada y tiene un valor educativo y educativo". Y, lo que es imperativo, la visualización de la actuación debe prepararse y comprenderse cuidadosamente. Para hacer esto, es necesario familiarizar a los estudiantes con la historia del drama (a partir de la antigüedad), contar con más detalle sobre el teatro ruso del siglo XIX, explicar los principios de Shchepkin y Stanislavsky, que fueron la base del teatro ruso realista del siglo XX. N.I. Kudryashev propone un sistema de ejercicios destinados a desarrollar la imaginación (lectura de poesía - lectura de poesía y prosa con diálogos - lectura y puesta en escena de una fábula - puesta en escena de una historia y composición de un guión cinematográfico), que finalmente permitirá a los estudiantes imaginar los personajes de la obra y desde las primeras líneas para incluirlo en la lectura consciente.
Los problemas de atraer literatura de arte teatral a la lección se plantean en las obras de E.A. Akulova, I.I. Áspero.
En el trabajo de M.A. Se da prioridad a las "Peculiaridades del estudio de las obras dramáticas" de Snezhnevskaya al análisis que sigue a la acción en desarrollo, ya que ayuda a revelar gradualmente el carácter del personaje (mediante la comparación del discurso y las acciones del personaje), para profundizar en la esencia del conflicto. El autor señala acertadamente que al estudiar la primera obra dramática para escolares, es importante revelar su conexión directa con el teatro. Y al considerar el drama en la escuela secundaria, se le da un gran lugar a la historia de su creación y las formas de desarrollo del drama y el teatro rusos. Según M.A. Snezhnevskaya, la actuación se puede ver con los estudiantes antes o después de estudiar la obra; todo depende de la tarea metodológica.
La dramaturgia del siglo XX en los planes de estudio escolares está representada por un pequeño número de obras. Uno o dos se estudian en el marco de un tema monográfico, mientras que el resto son relevados, en el contexto de referirse a un tema sobre un tema relevante. Las principales obras con las que se invita a trabajar a los alumnos son "The Cherry Orchard" de A.P. Chejov, "At the Bottom" de M. Gorky, "Duck Hunt" de A.V. Vampilov.
Es de destacar que la historia escénica de las obras de Chéjov y Gorki también se convierte en objeto de atención en la lección de literatura. Sin embargo, la referencia al mismo no se proporciona en el proceso de análisis del texto del trabajo, sino a menudo al final del estudio del tema y tiene un carácter ilustrativo. Solo en uno de los programas modernos (bajo la dirección de VG Marantzman), al estudiar The Cherry Orchard a nivel de perfil, la presentación del material se proporciona de tal manera que los estudiantes pueden comparar la idea de Chéjov y la implementación de su director, también como traza el futuro destino de esta obra y otras obras del dramaturgo en el escenario y en el cine.
El fenómeno del nuevo drama de Chéjov y los problemas sociales y morales de las obras de Gorky, que son tan difíciles para la comprensión independiente, se abordan una vez, con menos frecuencia, dos veces, durante toda la práctica escolar de los estudiantes de secundaria en un volumen relativamente pequeño (Gorky el trabajo se estudia durante 3-4 horas; Chéjov - 3-5 horas en el nivel básico, 7 horas en el perfil). Parece posible hacer este llamamiento cualitativamente diferente debido a la inclusión de los hechos de la historia escénica en el proceso de análisis de la obra. Es posible lograr una alta actividad de los estudiantes en el proceso de análisis y una comprensión profunda de las intenciones del autor cambiando el enfoque al estudio de las obras dramáticas. Utilizando la historia escénica como herramienta de análisis de una obra dramática, es posible reactivar la percepción directa de los estudiantes, hacerla más profunda y consciente, contribuyendo así a la mejora de las habilidades interpretativas desde el nivel de un simple lector hasta un "lector capacitado". -espectador".
Así, habiendo analizado el acervo metodológico en el campo del estudio de una obra dramática y la atracción del arte teatral a una lección de literatura, podemos generalizar y reducir las disposiciones descritas en ellas a tres aspectos:
1) espectador (los estudiantes en el papel de espectadores comprenden la originalidad ideológica y artística de la actuación y, a través de ella, las obras de teatro);
2) actuando (estudiantes en el papel de actores - actuando,
puesta en escena: básicamente, todos intentan comprender a través de su papel
la naturaleza del personaje y la esencia del conflicto);
3) etapa (involucrando historia escénica en una lección de literatura, comparando interpretaciones como técnica principal, un estudiante en el rol de investigador).
Estos aspectos se pueden implementar en cualquier etapa de la lección, pero tienen, en nuestra opinión, rangos de uso óptimos. Para el público, es la etapa final del estudio del drama, como una generalización de lo analizado, cuando la actuación ayuda a crear y mantener una idea de la integridad de la obra, reúne todos los niveles de análisis. También es posible una visita al teatro en la etapa introductoria, pero en este caso debe planificarse de manera especial. Una de las posibles formas: antes de la actuación, es necesario hacer una pregunta para que la visualización no sea un fin en sí mismo y para que el alumno tenga un punto de apoyo en su pensamiento, con el que siempre pueda relacionar lo que ha visto. Ya en el transcurso del análisis del texto, siempre será posible comparar lo escrito - leído - visto (cómo el autor describió un momento particular, el alumno lo entendió y cómo los actores lo plasmaron).
La implementación del aspecto escénico es posible en la etapa de análisis y en la etapa final. Como preparación, puede utilizar una lectura expresiva, que refleje la profundidad de comprensión de la situación, los personajes y los conflictos. La puesta en escena de la escena ya es fruto del análisis.
La implicación de los hechos de la historia escénica, la demostración de fragmentos de video de diferentes performances en el marco de la implementación del aspecto escénico es aconsejable en todas las etapas del análisis de una obra dramática. Utilizando técnicas especiales en cada etapa del análisis, que se discutirán en el segundo capítulo, se puede crear una actitud hacia la lectura, profundizar la percepción del texto, llegar al concepto de la versatilidad de la imagen y la adecuación de la interpretación, y Contribuir a la creación de una interpretación personal.
Saquemos conclusiones sobre el uso de la historia escénica en el análisis de una obra dramática:
La ciencia metodológica ha acumulado una amplia experiencia en el estudio de las obras dramáticas. En particular, en la mayoría de los casos se reconoce que el análisis del drama debe basarse en su principal esencia específica: su propósito para el lector y espectador;
la participación de la historia escénica en el estudio del texto dramático tenía la naturaleza del "uso", principalmente el uso del potencial ideológico y educativo de la representación; no existía un sistema de participación equitativa del texto literario y teatral en el proceso de educación literaria de los escolares;
Nos parece que en la actual situación sociocultural, es necesario buscar nuevos métodos creativos de trabajo con obras dramáticas, diseñados, por un lado, para hacer más productivo el análisis de textos, y la lectura más deseable y consciente, en por otro lado, acercar el proceso de aprendizaje a las realidades de la vida actual y las tendencias del teatro moderno. Para ello, en nuestra opinión, es necesario crear condiciones para las actividades de los estudiantes como director de una obra de teatro, actor, compositor, escenógrafo, crítico, etc.
Lo principal es organizar correctamente el trabajo, para que al analizar el trabajo, se evite sesgos hacia el diseño artístico y técnico. Todas estas técnicas tienen como finalidad interesar por la lectura e interpretación de una obra dramática, desarrollar la lectura y formar las competencias espectadoras de los estudiantes a partir de la comprensión de las propiedades tipológicas de una obra dramática.
DRAMA(Drama griego - acción), uno de los principales géneros del arte teatral moderno (junto con la comedia y la tragedia).
El drama es el más joven de los principales géneros. Si el primer estudio teórico conocido de la tragedia y la comedia pertenece al siglo IV. ANTES DE CRISTO. ( Poética Aristóteles), el drama fue señalado como un género separado solo en el siglo XVIII. La base teórica del nuevo género está asociada con el nombre del famoso enciclopedista francés Denis Diderot.
Filósofo materialista y al mismo tiempo escritor, dramaturgo, Diderot en su obra teórica y práctica partió del postulado de que el arte es una imitación de la vida. Por ello, salió con un programa para una transformación radical del teatro francés, oponiéndose tajantemente a la corriente estética contemporánea del clasicismo. El estricto canon de la tragedia clasicista con su estilo alegre y patético, la representación de la "naturaleza ennoblecida", personajes unilaterales y estáticos provenientes de modelos antiguos, fue criticado por Diderot por ser limitado y desapegado de la vida. Además, en la posición de principio de Diderot, sus visiones sociales también jugaron un papel esencial, lo que llevó a sus demandas por la democratización del arte teatral ( Sobre la poesía dramática, 1758; La paradoja del actor, 1770-1773, etc.).
La necesidad de la democratización del teatro y la destrucción de los estrictos cánones formales del drama era el imperativo de la época; no sin razón, los mismos principios se desarrollaron prácticamente simultáneamente en otros países europeos (en Inglaterra, J. Lillo y E. Moore ; en Alemania - GE Lessing, etc.) ...
Antes de Diderot, en los trabajos teóricos sobre el drama, no se cuestionaba la pertenencia de clase a los géneros: la tragedia habla de la vida de las clases altas, la comedia, de las bajas; estos géneros están estrictamente demarcados, y detrás de la tragedia del siglo XVII. se le asignó la designación de género "alto", para la comedia - "bajo". De hecho, Diderot creó una nueva teoría del drama, no solo negando la jerarquía estética o ideológica de los géneros, sino también desarrollando un nuevo género de "drama filisteo" intermedio entre la tragedia y la comedia, en el centro de los cuales se encuentran representantes del tercer estado ". burgués honesto "(más adelante, para definir un nuevo género, se fijó el término" drama ", mientras que el epíteto podía cambiar según la temática y los personajes:" drama moral "," drama filosófico "," drama social ", etc. .). Fue este héroe, cuyas vivencias y sufrimiento el autor, y por tanto el público, se toma en serio y con simpatía, quien determinó la novedad fundamental del género.
El nuevo héroe también provocó un cambio en la escala de los eventos representados. Si los héroes de la tragedia resuelven los problemas cardinales de la vida y sus acciones y destinos influyen en el desarrollo de la sociedad, entonces los eventos del drama son más locales. Sus personajes pueden vivir una verdadera tragedia, pero una tragedia personal, subjetiva que no tiene una amplia resonancia pública, sin embargo, no se vuelve menos difícil o terrible a partir de esto. Estos principios indudablemente acercaron el drama a la vida real, de hecho, sentaron las bases para el teatro psicológico (lo que significa llevar el arte de un actor a un nivel fundamentalmente nuevo), así como la formación y desarrollo de géneros dramáticos adicionales (melodrama, tragicomedia) y diversas corrientes estéticas (sentimentalismo, naturalismo, realismo).
Hoy en día, el drama es quizás un género teatral que lo abarca todo con límites y atributos formales difíciles de definir. En teatro, el término "drama" se usa a menudo en un sentido más amplio, como se aplica a cualquier obra, independientemente de su género. Además, en los estudios de teatro y la crítica teatral, el término se utiliza a menudo como sinónimo de la palabra "drama".
En el lenguaje cotidiano, la palabra "drama" se usa para definir cualquier evento de alta intensidad fuera de lo común, por regla general: infeliz, acompañado de un gran estallido de emociones.
Tatiana Shabalina
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Este término tiene otros significados, ver Drama. No confundir con Drama (una especie de literatura). El drama es un género literario (dramático), escénico y cinematográfico. Consiguió una distribución especial en la literatura del siglo XVIII XXI, ... ... Wikipedia
En el arte: el drama es un género de literatura (junto con la epopeya y la letra); El drama es una especie de acción cinematográfica escénica; un género que incluye varios subgéneros, modificaciones (como el drama filisteo, el drama del absurdo, etc.); Nombre (s) del lugar: ... ... Wikipedia
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